jueves, 27 de marzo de 2014

Col•lectivaccions. Seminario sobre contextos de comisariato, formación y producción

Los días 12, 13 y 14 de febrero, Fabra i Coats de Barcelona acogió Col·lectivaccions, un seminario sobre contextos de comisariado, formación y producción dirigido a artistas, diseñadores y mediadores emergentes. Durante tres días se abrió un espacio de formación teórico-práctico que se organizaba a través de tres ejes principales: fases de producción y montaje; concepción de un proyecto expositivo; y diálogos entre discursos comisariales y educativos.

Anna Fando, alumna del Máster Universitario en Gestión Cultural de la UIC asistió ha este evento y aquí nos escribe su reflexión sobre este seminario.



Col·lectivaccions, es una iniciativa formativa que se inserta en la ciudad de Barcelona. Esta dirigida por José Antonio Delgado, Rachel Fendler y Judit Vidiella en colaboración con Lonja ESDA, la Sala de Arte Joven y Fabra i Coats, entre otras entidades. 

 El fin: poner en debate y redefinir el concepto de “proyecto artístico” en un ámbito más global. Cabe decir que el seminario es solo una parte del trabajo que proponen ya que se trata de un proyecto aún más ambicioso.

El avance progresivo del arte y los cambios de paradigma hacen que los proyectos creativos que nacen de los creadores se preocupen por implicar a territorios y colectivos. Además la figura de los creadores a menudo está lejos de una escuela de arte, convirtiendo los proyectos creativos en algo más extenso y que interesa a otras disciplinas de investigación. Todas estas cuestiones forman las claves de este seminario.

Desde la década de los años 60 y 70 se manifiesta el concepto de arte como producción cultural. Esto da pie a ítems como el interés por la alteridad (directamente relacionado con términos de globalización) y el desmontaje del arte en arte en mayúsculas y arte en minúsculas que evidencian que en el arte se acepta un conflicto relacional entre sus mismos agentes. Proyectos de media art o site specific-art intentan responder a estas preocupaciones sin implicar demasiado a los agentes en su totalidad.

Así, el seminario pretende presentar todas esas iniciativas que intentan, mediante la deconstrucción crítica, trabajar con medios altermativos de exposición con finales cambiantes según la necesidad de cada proyecto y alterar/cuestionar las políticas de relación en los centros de arte. Se desarrolla una crítica al comisariado occidental de la autoría y el white box. Pues ésta última solo oculta, bajo la propia pared, los sistemas de mediación, haciendo que ni siquiera se enseñen en las escuelas de arte. Es por eso que se invitó a trabajar a escuelas de arte en el seminario para recalcar el papel de la educación y que ésta presente el sistema de relaciones actual.

Nora Ancarola, directora de la Escuela Llotja, apuntó la importancia de mostrar a los alumnos que los proyectos de creación deberían tener en cuenta su propia exposición y montaje, su influencia sobre un territorio específico y la implicación de agentes diversos. Además deberían partir de cero, sin dejarse influenciar con la forma predeterminada de terminar un proyecto.

Alberto Peral de Half House y Mireia C. Saladrigues se encargaron de mostrar ejemplos de montajes alternativos y proyectos de creación en el ámbito de la educación. Mireia expuso su experiencia EnResidència, un proyecto de residencia artística que se realiza en un instituto público con alumnos de primero y segundo de la ESO (12-14 años). Eso aporta a los alumnos la experiencia de un proyecto de creación desde cero y abierto a cualquier resultado (en este caso: la edición de un fanzine y una acción performática de 60 alumnos en las rampas del MACBA).

La intención de Col·lectivaccions fue analizar los roles del sector cultural. Educación, gestión, comisariado y creación funden sus límites para trabajar en proyectos más envolventes que piden cada uno una producción y un montaje específicos; quedando muchas veces lejos de lo que sería un proyecto expositivo convencional acabado en el montaje de obras en una pared. Los artistas trasgreden, los proyectos trasgreden, pero la educación y los agentes culturales también se disponen a trabajar para trasgredir aún cuando una sala expositiva desarrolla proyectos que no acaban en la misma sala. Son ejemplos LaSala d'art Jove y SantAndreu Contemporani, que se presentaron como instituciones culturales que están mutando sus propias políticas de relación.

También se presentaron proyectos concretos que englobaron a todos los agentes y donde precisamente se había intentado experimentar con los roles como Artfònic, Sinapsis y Transductores. Todos ellos reivindicaban un cambio estructural, una gestión de ritmos y tiempos distinta (que no los conciba como la búsqueda de un producto final), la importancia de las prácticas colaborativas del diseño y de la educación, y la voluntad de trabajar en red como laboratorios de ciudadanía.

Para concluir, resumiría Col·lectivaccions en un concepto: experimental. Nuevos modelos comportan nuevos formatos. Una concepción experimental de los procesos creativos y culturales tendrá como resultado un modelo flexible donde los procesos implicativos y de creación adquirirán la misma importancia que la exposición final.

Anna Fando (Barcelona, 1990) es artista y gestora cultural. Se licenció en Bellas Artes en la Universitat de Barcelona (2008-2012) y posteriormente estudió el Máster en Gestión Cultural en la Universitat Internacional de Catalunya (2012-2013). Como artista su obra se ha presentado en múltiples lugares de ámbito local como La Galería Cadàver Exquisit, Sala d'Art Jove, Untitled BCN, el Centro de Arte Mutuo o la propia Universitat de Barcelona. También ha presentado obra en Terrassa, en Lloret de mar y en Santiago de Compostela. Como gestora cultural ha hecho sus prácticas profesionales en la Galeria Senda de Barcelona y posteriormente ha trabajado como asistente en la misma. Actualmente desarrolla proyectos de comisariado alternativos. Y hoy mismo estrena la exposición "Cos quotidià", a las 20:00h en la Sala Joan Alsina de la Farinera del Clot.

lunes, 17 de marzo de 2014

"Las redes van de personas, no de marcas o organizaciones"

Hace unos días tuvimos otra invitada de primer nivel el el Máster, en "Cultural Communication". 
La dejamos que se presente ella misma: Soy Sònia López, trabajo en el MACBA como responsable de la web y las publicaciones digitales desde el 2001. Durante estos años he podido desarrollar proyectos como la línea de publicaciones digitales Quaderns portàtils o la puesta en marcha del proyecto Ràdio Web MACBA que fue ganador del premio al mejor sitio web de podcast del 2009 en el congreso internacional Museums and the Web. Además he participado en diversos proyectos artísticos y pedagógicos tanto en el MACBA como en otras instituciones culturales de Barcelona. Soy activista crafter a tiempo parcial y practico running muy a menudo.




Sònia, ¿en qué consiste tu trabajo en el MACBA?
En el MACBA soy responsable de la web y los medios digitales. En mi equipo, compuesto por tres personas, tenemos la responsabilidad de mediar entre los contenidos que se generan en el museo y nuestra audiencia digital. Trabajamos con contenidos que nos vienen dados de otros departamentos y también creamos nuestros propios proyectos digitales como los Quaderns portàtils, los vídeos de Fons, o toda la programación de Ràdio Web MACBA. Nuestra misión es dar difusión y generar interés sobre el arte contemporáneo y las líneas de trabajo del MACBA. Nuestro campo de acción es el marco digital, de manera que nuestro instrumento de trabajo es la página web y las redes sociales, que usamos como medios de comunicación con nuestros públicos y como potentes herramientas de distribución de contenidos.  

¿Cuál es la parte que más te motiva de tu trabajo?
Hay dos aspectos que me motivan enormemente en mi trabajo: por un lado en mi trabajo se me exige ser creativa, se valora mi capacidad para inventar, y si no inventar (ya sabemos que eso hoy en día es prácticamente imposible) sí ser capaz de llevar a nuestro terreno recursos que a veces son nativos de otros entornos. En definitiva, se me pide ser innovadora. No sé si lo consigo, pero lo intento con obstinación. Por otro lado, toda esa creatividad, todo lo que producimos, lo podemos publicar y poner a disposición del público con la ventana de enorme visibilidad que es nuestra web, de modo que podemos fácilmente retornar todo el capital cultural que producimos de vuelta al público. A la vez, a través de la redes, podemos tener el pulso real del impacto que este trabajo tiene en el público. La verdad, me siento privilegiada por tener el trabajo que tengo: me reta y aprendo continuamente.

Y ¿dónde encuentras las mayores dificultades?
El mundo digital cambia muy rápido. A mí eso no me asusta, más bien al contrario, porque en un entorno muy cambiante, es connatural la necesidad de trabajar por ensayo y error y eso es enriquecedor. Pero por otra parte este contexto de continua mutación genera confusión en las organizaciones y se puede caer en el error de pensar que se puede trabajar sin estrategia. Y eso es un mal planteamiento. A veces me encuentro en la posición de tener que convencer de que no sirve de nada seguir las tendencias tecnológicas si uno no tiene una clara estrategia de contenidos y de engagement. Las herramientas digitales deben estar al servicio de una misión y no son algo interesante de por sí. Los usuarios y los contenidos deben ser el centro del proyecto y no la tecnología en sí. Pero tengo la suerte de que en mi organización gozo de la confianza suficiente para acabar convenciendo a mis compañeros, aunque no siempre es fácil actuar en consecuencia a esta teoría.

¿Cuáles son las cualidades imprescindibles de un buen community manager cultural?
Por mencionar algunas, yo destacaría que hay que conocer bien el proyecto del que hablamos. Si nos apasiona, mejor que mejor, porque vamos a proyectar nuestro interés a nuestros seguidores. Hay que tener clara cuál es nuestra voz, imaginar un perfil completo y personal, incluso si se trabaja para una gran institución. Las redes van de personas, no de marcas o organizaciones. Hay que escribir muy bien, amar las palabras. Ser espontáneo, fresco e interactuar: escuchar, responder, celebrar las menciones de nuestros seguidores. Hay que conocer a la audiencia y ser generoso, no apuntar únicamente contenidos propios sino apuntar a los de los demás. El ideal es convertirse en prescriptor, ser una referencia para algún tema.

En cuanto a tu experiencia docente, ¿cuál es el principal mensaje que quieres transmitir a los alumnos?
Lo tengo claro. Las herramientas hoy son unas y mañana serán otras. Lo importante es saber manejar la estrategia no solo en los social media, sino la estrategia digital general del proyecto que llevemos adelante.

¿Algún libro / sitio web / blog / artículo que quieras recomendar a los lectores del blog?
En el transcurso de mi clase mencioné algunas lecturas, pero creo que hay una especialmente relevante para entrar en detalle de cómo preparar una buena estrategia digital para cualquier proyecto cultural. Se trata del libro de Jim Richardson y Jasper Visser “Digital Engagement Framework”, disponible gratuitamente en la web http://digitalengagementframework.com/. En este ensayo los autores proponen una metodología para diseñar estrategias, procesos y tecnologías para involucrar sistemáticamente a todos los agentes de una organización con el fin de maximizar el valor de lo que creamos, así como potenciar la co-creación de contenidos.

¿Qué tal fue tu experiencia en el Máster Universitario en Gestión Cultural de la UIC?
Me sentí muy a gusto en la clase y con la acogida del personal del máster. Espero que para los alumnos resultara igual de enriquecedor que para mí.
Preparar una clase es un proceso apasionante que te invita a pararte un momento, revisar tu práctica cotidiana y a hacer balance de algunas cosas. En el proceso, a veces me encuentro retomando temas que por la vorágine del día a día pierden la centralidad que deberían tener.
En una clase, creo que el reto es ofrecer la síntesis de lo que a mí me ha costado años ir aprendiendo a base de ensayo y error, de acumular experiencias buenas, pero también algunas malas. Así que siempre estoy encantada de compartir lo que sé y agradecida de tener la oportunidad de contrastarlo con la realidad de otra generación, joven, con ideas nuevas y, sobre todo, mucha energía y proyectos que desarrollar.
¡Muchas gracias!

¡Gracias a ti, Sònia! ¡Te esperamos en la UIC cuando quieras!



viernes, 7 de marzo de 2014

Toda pared es blanco posible del arte



Las obras en construcción suelen ser zonas poco amigables -escombros, vallas, ladrillos sueltos, vigas, andamios, muros-, que alejan a los transeúntes y pintan de gris la acera. Mientras dura la obra, existe un "algo" en proceso, inacabado, en suspenso... que concluye con final feliz (casi siempre): una fachada renovada, un edificio nuevo o una remodelación que embellece. Pero, claro, ese tiempo de espera es demasiado largo a veces y no siempre tenemos la suerte de ver el resultado. La pregunta, entonces, es ¿por qué esperar hasta el final? Cuando es por una buena causa, romper la lógica de las cosas tiene sentido, quebrar la cronología de los hechos también. Con esta consigna, Lagaleríademagdalena desembarcó en la calle para dotar de color a esos espacios infravalorados. Y, así, con exposiciones de arte sobre vallas de obra, terrenos baldíos o plazas descuidadas, lograron transformar esa "zona de descarte" en un área de creatividad e intercambio, donde la gente, además, tiene la oportunidad de interactuar con las obras y hasta llevárselas a su casa de regalo ("regalar como experiencia curativa y reactivadora del potencial humano" es una de las premisas de Lagaleriademagdalena).
Conocimos el proyecto en el evento Pública 14, durante la sección 10 x 10 Pública -el espacio dedicado a los emprendedores- y nos encantó su filosofía del regalo, del empoderamiento urbano, de la interacción. Por eso quisimos compartir con vosotros un poco más de su historia, de sus conceptos y de sus ideas. Esperamos a que pasara la fiebre de Arco Madrid (Raquel e Isabel estaban a cargo de Arcotangente, un circuito de arte al margen de la feria) para hacerles todas las preguntas que quedaron en el tintero en los 10 minutos de Pública 14. Aquí os dejamos las respuestas:

¿Cómo surgió el proyecto? ¿Inspiraciones?
La idea surgió una tarde andando por la calle Magdalena cuando vimos, en el zócalo gris de una obra, unos rectángulos perfectos de distintos tonos entre amarillo, anaranjado y beige, cinco en la calle Magdalena y tres en la calle Luis Vélez de Guevara. Aunque eran simples muestras de pintura para decidir de qué color iban a pintar el edificio, para nosotras eran claramente unos paspartú sobre los que colocar cuadros. Nuestra sorpresa fue que, al colocarlos, se empezó a acercar la gente y nos preguntaba sobre la obra como si de verdad estuviéramos en una inauguración de una exposición en una galería. Dejamos allí las cosas y permitimos que siguiera su propia evolución en la calle.

Según vuestra web y su exposición en Pública 14, actuáis sobre espacios infravalorados de la ciudad. ¿Cómo los identificáis? ¿Vosotras mismas o tienen "embajadores" que reportan posibles locaciones?
Son fáciles de identificar porque suelen estar bastante deteriorados y con aspecto abandonado. Suelen ser vallas de obra, muros perimetrales, solares sin construir o plazas y zonas verdes poco cuidadas. En nuestro caso, somos nosotras mismas las que localizamos los lugares, aunque siempre surgen sitios que te comentan conocidos de tu entorno.

También habláis de "galerías de arte efímeras". Supongo que lo de efímeras es porque las obras se regalan y, por lo tanto, desaparecen. ¿Cuánto puede llegar a durar una muestra sin que desaparezcan sus objetos?
Efectivamente se trata de galerías efímeras porque el contenido de las mismas son #Regalosurbanos que se llevan los peatones. Dependiendo del tipo de exposición y su contenido, dura más o menos, desde unas horas hasta unos días. Por ejemplo las instalaciones interactivas, que son más como un juego para los viandantes a escala urbana, suelen durar más tiempo, hasta tres días a veces.

¿Quién es el "regalador"? ¿Lagaleríademagdalena o los artistas? 
Depende de quién haga el contenido de la exposición. Unas veces lo hacemos nosotras y otras veces lo realizan los artistas invitados. En el segundo caso, lo que nosotras hacemos es comisariar la obrar, porque no es lo mismo exponer en un interior que exponer en la calle. Hay que darle una vuelta a los trabajos del artista para que tengan sentido cuando los saquemos al espacio público, para que conecten con la gente de todo tipo y con la escala urbana.

¿Cómo lográis encontrar a artistas que quieran donar su obra?
Pues en realidad suele ocurrir que son ellos quienes nos buscan a nosotras. Al principio, cuando nos empezó a escribir la gente pidiéndonos exponer en nuestra galería, no nos lo creíamos: nos mirábamos incrédulas y nos decíamos: ¡pero si es la calle! Ahora tenemos lista de espera para hacer exposiciones y nos vemos obligadas a derivar a los artistas a las exposiciones colectivas porque no tenemos tiempo en nuestro calendario. Además ahora nos interesa más investigar los modelos de participación colectiva.

¿No creéis que la cultura de lo gratuito perjudica la valoración del objeto? 
Siempre recalcamos que lo que nosotras hacemos no es ni mucho menos gratuito. Lo que ocurre es que decidimos REGALARLO. Es muy diferente un regalo de algo gratis. Creo que ninguno de nosotros en nuestra vida cotidiana quitaría valor a un regalo que hemos recibido, al contrario a menudo tienen más valor emocional que muchas cosas que hemos adquirido.

¿Consideráis que hacéis esto “por amor al arte” o podéis considerarlo una fuente de entrada de dinero? ¿La única fuente de ingresos es "Regala una exposición? 
Parte de la motivación que tenemos es, desde luego, personal y porque nos produce gran satisfacción cada vez que realizamos una de nuestras acciones. Pero también es nuestro medio de vida y es una de las cosas que nos gusta reivindicar: el poder vivir de lo que realmente te gusta hacer y no tener que esperar a salir del trabajo para dedicarte a ello. Además de ‘Regala una exposición’ también tenemos otras fuentes de ingresos como servicios de diseño de eventos culturales, consultorías creativas, etc... para clientes privados y públicos.

¿Cuál es la frecuencia de eventos que organizáis?
Más o menos intentamos hacer una exposición al mes como mínimo.

¿Cuál es el perfil de quienes conforman el grupo organizador?
Somos dos chicas arquitectas (Isabel Arenas Torrente y Raquel Congosto Martínez), que hicimos incursiones en diversos campos distintos de la arquitectura antes de conocernos y nos reinventamos al unirnos en este proyecto. En él tenemos que crear cada día una nueva profesión y un camino por dibujar y constantemente debemos imaginar nuevas formas que aún no existen de exponer el arte y acercarlo a la gente y a la realidad social.

¿Alguien que quiera replicar la idea en su ciudad o país tiene vía libre para hacerlo?
Por nuestra parte no sólo no hay problema, sino que de hecho tenemos una parte del proyecto que se llama ‘Crea tu propia galería’ en el que se cuentan los pasos a seguir para abrir una galería en tu barrio y conseguir que funcione.

¿Cuál ha sido su "exposición estrella"?
Una de las exposiciones que más asistentes ha tenido ha sido la exposición en el espacio físico #EnCinta, cuya parte digital es Lagaleríademúsica. Y también por ejemplo, la que acabamos de hacer por segundo año Arcotangente, una feria virtual de arte Creative Commons en paralelo a la feria internacional Arco, que por supuesto llevamos al espacio público en formato de #RegalosUrbanos. Luego están otro tipo de intervenciones, más permanentes como son la que realizamos en El Born en Barcelona, #Encaja_dos o #Emergiendo en Tetuán en Madrid, que tienen otra escala y en ellas aprendimos muchas cosas en terrenos nuevos para nosotras. Pero tampoco nos gusta elegir ninguna, porque cada exposición es un nuevo reto con el que disfrutamos y nos sorprendemos.

lunes, 3 de marzo de 2014

El Máster en Gestión Cultural está en la convocatoria de becas de la Fundación Carolina

          

Como cada año, la Fundación Carolina ha publicado su convocatoria de becas para estudiantes iberoamericanos. La excelente noticia es que el Máster en Gestión Cultural tiene asignadas dos becas gracias a un convenio de colaboración firmado por ambas entidades.

La Fundación Carolina es una institución público-privada creada en el año 2000 que promueve las relaciones culturales y la cooperación en materia educativa y científica entre España y los países de la Comunidad Iberoamericana de Naciones. Con el fin de llevar a cabo estos objetivos, la Fundación desarrolla cuatro programas, uno de los cuales es el de formación (becas). Cabe destacar que el número de becas y ayudas ofrecidas a través de este programa para el curso académico 2014-2015 asciende a 523. De éstas, hay dos becas que se otorgarán a estudiantes que quieren cursar el Máster Universitario en Gestión Cultural de la Universitat Internacional de Catalunya.

¿Qué significa esto en términos prácticos? Significa que los estudiantes que ganen estas dos becas se verán exentos de 4.210 euros del importe de la matrícula del programa que para este curso asciende a la cantidad de 6.420 euros, que se les pagará el billete de ida y vuelta en clase turista a España, desde el país de residencia en América Latina y que se les ofrecerá un seguro médico no farmacéutico.

¿Qué tienes que hacer para entrar en la convocatoria? Es muy sencillo: solo tienes que seguir los siguientes pasos:
-          Acceder desde aquí a la convocatoria
-          Leerte la información disponible allí 
-          Enviar tu solicitud de beca online

Por si hay dudas sobre la beca, la Fundación Carolina ha habilitado una dirección de email para los interesados: gestionculturaluic_2014@fundacioncarolina.es. Ahora bien, si tienes dudas sobre cualquier aspecto del Máster, nos puedes escribir en cualquier momento a mastergestioncultural@uic.es.


¡Te esperamos en Barcelona en octubre de 2014!